Grandes compositores de cine

Hoy: Thomas Newman.

Es miembro de una de las familias de compositores de cine más conocidas en Hollywood. Hijo del compositor Alfred Newman (1901-1970) (quien compuso la música en películas como "The Battle of Midway", "My Friend Flicka", "La canción de Bernadette", "La barrera invisible", "Eva al desnudo" o "La túnica sagrada").Su tío Lionel Newman compuso "Hello, Dolly!", su hermano David Newman ha realizado la música de películas como"Smoochy" o "Ice Age".

Una de las características musicales de Thomas Newman es su continuo cambio de estilos, pasando de la aclamada "American Beauty" en la que hacía uso de diversos instrumentos construyendo piezas minimalistas, hasta otras trabajos en los que hace uso de una orquesta en un gran despliegue musical.

Esta es una de sus ultimas producciones, para la película de animación Wall-e:

Probablemente la secuencia de la danza estelar donde dos robots navegan en el espacio, suspendidos, girando con movimientos que producen un armonioso baile sideral, se ha convertido en una de las escenas más bellas del cine reciente. Todo eso con una pequeña obra musical de apenas 150 segundos, titulada "Define Dancing".

Vanguardista, moderno, incorpóreo, Thomas Newman nos ofrece una banda sonora que transporta. Desde la alusión musical a Odisea 2001, hasta la recreación del sonido introductorio de Six Feet Under, pasando en ocasiones muy cerca de las aceleradas, futuristas y caóticas melodías que Michael Giacchino compuso para Speed Racer, todas ellas plasmadas en "Wall·E".

Newman nos otorga uno de sus mejores trabajos en una cinta donde los diálogos son escasos.Pero además hay lugar en esta banda sonora para temas de otros autores como "Put On Your Sunday Clothes" y "It Only Takes a Moment", en lo que constituye un acertado renacimiento de Hello Dolly!. Louis Armstrong también está presente con su interpretaciónde "La Vieen Rose". Un gran trabajo musical culmina en los créditos finales con"Down To Earth", una canción compuesta por Peter Gabriel y Thomas Newman, mientras contemplamos un montaje de la evolución pictórica del hombrere colonizando la Tierra.

Y así se va el primero de los grandes compositores de Hollywood que voy a estar recomendando. La sigo en la próxima entrada.

Raul.

El Despertar

Es un cortometraje que relata dentro de la ficción los sucesos acontecidos el 25 de Septiembre de 1972, ultimo día en la vida de Buma (personaje basado en Alejandra Pizarnik).

Buma es una joven solitaria de 24 años que dedica con mucha pasión todo su tiempo a la poesía dentro de su pequeña habitación. Allí es donde la muerte, que sale de su escritura, comienza a llamarla y atraerla. Buma intenta detenerla recordando aquellos momentos de la vida en los que era feliz. Pero éstos ya no forman parte de ella...

¿Qué es “El Despertar”?

“El Despertar” es la idea de que lo poético va más allá de la escritura concreta del poema y que afecta a la vida misma. Esto se refleja en Buma, personaje que representará a la poetiza en ese estado límite que la poseía y que ella buscaba al momento de ponerse a escribir. Escribir para poder hacer el cuerpo del poema con su cuerpo, hacer de su vida la materialización de la poesía, convertirse en personaje de su absoluto verbal.

“El Despertar” es un cortometraje que transcurre en un espacio cerrado repleto de recuerdos que emergen de una lejana infancia con perfume a pájaro acariciado.

“El Despertar” es el despertar de Alejandra Pizarnik.

"NO": La reactualización de una época.

Cuando se analice en el futuro "No", la reciente película de Pablo Larraín, habrá que tener en cuenta el contexto en que se encontraba Chile durante su producción: Un gobierno neoliberal elegido democráticamente, que acaba de salir de una crisis educativa-universitaria por medio de la represión. Con esta etapa y el plebiscito que le dijo basta a la dictadura de Pinochet dialoga este largometraje, que será utilizado para la apertura de la edición 2013 del BAFICI.

El relato se centra en la figura de René Saavedra, trabajador de una empresa de publicidad que decide colaborar con la campaña para recuperar la democracia en el plebiscito de 1988. El film comienza inteligentemente con él vendiendo uno de sus trabajos: "Tengan el contexto social actual para ver esto. Hoy Chile mira a su futuro". A continuación, vemos una publicidad de gaseosa, seguido de un discurso para enganchar a los jóvenes como target: Quieren rebeldía, quieren renovación. Con el espíritu de una época pretérita devenida en 1988 y hoy como marketing, ya no podemos distinguir el discurso publicitario del discurso político, porque después del pinochetismo vendría a ser lo mismo.

Durante las discusiones de campaña, se plantearán dos posturas vistas a través de dos anuncios. En uno, el de la rama más política del equipo, figuran imágenes en blanco y negro de la represión y el golpe de 1973 mientras se da información sobre los muertos, torturados y exiliados. En otro, un rejunte de imágenes de alegría, baile y diversión como sinónimo de libertad. El dilema ético sobre la omisión de las víctimas y la memoria a cambio de ganar una campaña se presenta, y se decidirá incluir esto dentro del escaso espacio nocturno que les fue cedido a la coalición, pero por fuera del anuncio. A la larga, se comprobará lo acertado que fue buscar la victoria democrática a través de la alegría, pues todas las campañas políticas lo terminarían haciendo. Y de hecho, es algo que olvidó la propaganda pinochetista sobre el final, muy desactualizada de cosas tan básicas como el uniforme militar de Pinochet: Solo durante 1988 se vistió de civil, cosa que otro dictador, Franco, ya había comprendido en los años '50.

Pablo Larraín afirma haber hecho una decisión nostálgica en cuanto al estética del film: La reconstrucción material de una época a través de su escenografía, visto por una vieja cámara de video U-matic 3:4. En mi opinión, creo que no es nostalgia lo que hay en la película, pues la nostalgia tiende a fosilizar lo retratado, siempre con cierta dosis de ñoñez; más bien se trata de otra palabra utilizada por el autor: "Memoria". No solo se apela a la memoria colectiva a través de esta decisión, si no que los fragmentos documentales se funden perfectamente con la ficción, de forma tal que el espectador, al naturalizar el aspecto visual de la película, percibe lo antiguo y real con la misma identificación y actualización que la ficción. De esta forma, no hay diferencias entre la represión de los carabineros pinochetistas y las ocurridas en 2011 contra grupos de estudiantes; así como la absurda prédica anticomunista de Pinochet y sus actuales herederos ideológicos. Sí se puede establecer una diferenciación con el hoy en el acoso y la violencia que sufren los protagonistas en su propia intimidad; dicho de otra forma, la apertura democrática permitió el debate y la militancia siempre y cuando estos aspectos no copen el espacio público.

Sin dejar de reivindicar la democracia, "No" se constituye como un film crítico, con la debida distancia cronológica y afectiva de los hechos reales para no incurrir en un relato épico o heroico: Sobre el final, cuando se informa la increíble victoria del No -los personajes tardan un poco en caer-, el fervor copa las calles, pero la cámara se enfoca en el rostro de René, a quien se le puede ver una emoción contenida, una alegría de poca certidumbre.

Horizontes, la música.

Seguimos subiendo, poco a poco, el material en el que estuvimos trabajando durante este año. En este caso, toda la música original del cortometraje Horizontes, compuesta por Raúl Rosciano.

Mientras tanto nos preparamos con nuevas novedades, pensando siempre en hacer mas cosas nuevas.

Dos por dos. Líderes políticos en documentales: Ceausescu y Sankara.

"Capitaine Thomas Sankara" (2012) es el documental realizado por el suizo Christophe Cupelin sobre el líder que gobernó Burkina Faso entre 1983 y 1987. Este documental, proyectado en Argentina en el marco de la muestra Doc Buenos Aires 2012, consigue dar un pantallazo del gobierno de Sankara y su vida en el transcurso de esos 4 años a través del poco material audiovisual que sobrevivió a la posterior dictadura de Blaise Compaoré, en su mayoría de la televisión francesa, audios radiales y archivo gráfico; estructurado todo esto con el objetivo de mostrar -en palabras del autor- los meros hechos ocurridos sin pasar por un filtro ideológico. Habrá que ver si esto es posible, pero esa es una discusión aparte, lo cierto es que el film cumple con su objetivo, el de rescatar a Sankara, un militar católico que abraza las banderas del socialismo y el anticolonialismo como forma de desarrollar uno de los países más pobres y aislados del mundo, con una dosis de realismo importante en su discurso.

La obra mantiene un principio y una final definidos -momentos previos a la llegada al poder del protagonista y el trágico golpe que interrumpió abruptamente el proceso-, y durante el medio una estructuración entre temática y cronológica, señalando tanto sus principales obras (construcción manual de infraestructura, defensa de los derechos de la mujer, política internacional) como anécdotas curiosas que hacen a un film más ameno: el intento de robarle un avión a Kadhafi, sus encuentros guitarreros con el nigeriano Fela Kuti. No intenta abordar más allá de lo que muestra, al narrar los hechos del golpe del '87 omite mencionar la influencia de la diplomacia francesa o la complicidad de Malí en todo esto, la ausencia de narrador es compensada por el montaje en cuanto a "dirigir al espectador": planos emotivos de la amistad de Sankara y Compaoré mientras se escucha información sobre el golpe, entre otros recursos.

Cabe mencionar que "Capitaine Thomas Sankara" se proyectó clandestinamente en Ouagadougou, capital de Burkina Faso, donde a pesar del miedo a la todavía actual dictadura de Compaoré logró convocar a unas 50 personas. Acá en Argentina, en un contexto tan particular para América Latina, las palabras de Sankara tomaron mucha fuerza durante sus discursos sobre política exterior contra el FMI y el Banco Mundial celebrados en la ONU y en el Congreso Panafricano de Adís Abeba al punto tal de arrancar varios aplausos entre el público, de la misma forma que se haría en un acto actual.

A diferencia del documental "Autobiografia lui Nicolae Ceausescu" (Andrei Ujica, 2010, proyectado el año pasado en el BAFICI), creo que "Capitain.." no busca construir una autobiografía en base a la observación de material, y de hecho ni siquiera creo que sea un relato de los hechos como propuso el autor, si no más bien la mirada que este último tiene sobre un líder al que admira. "Autobiografía..." se ha vuelto un documental importante por la calidad y cantidad de material extraído sobre el líder rumano sin ser una denuncia o una crítica, si no un relato de su Era focalizado por él mismo; sin generar mucho más en el espectador, ni información ni emoción alguna, mientras que el documental de Sankara -en mi opinión- ha logrado hacer más con mucho menos material.

NOTA: Hasta ahora el documental de Cupelin no ha tenido un lanzamiento comercial debido a problemas por derecho de autor: Se pudo pagar lo suficiente para su difusión cultural apenas. Para más información pueden dirigirse a su página oficial acá o a su página de Facebook acá. "Autobiografía" está disponible para bajar en Torrentz, o también pueden visitar su página web y FB.

Cuando Dalí conoció a Disney: Hormigas, relojes y desiertos en el lugar más feliz sobre la tierra

Corría el año 1945. Dalí trabajaba en la dirección de arte para algunas secuencias de "Spellbound" de Hitchcock, cuando conoció a Walt Disney -un gran surrealista norteamericano según sus dichos-. La industria cultural norteamericana estaba absorbiendo lo mejor que podía de la Europa decadente y Salvador Dalí no iba a ser la excepción: Ambos intentaron crear un cortometraje musical animado inspirado en la balada mexicana "Destino" de Armando Domínguez, conteniendo éste todo lo que respondía al universo pictórico de Dalí, como la melancolía del espacio, las imágenes que se disuelven, las alucionaciones del hombre y el paisaje.

Del proyecto se realizaron 20 segundos, pero las prioridades del estudio eran otras para 1946 y "Destino" ya no era rentable. Tuvo que pasar medio siglo, cuando la estrella de Disney estaba siendo desplazada por Pixar, para que la idea realmente tomara forma  bajo encargo del heredero de Walt Disney. Entre 1999 y 2003 se recuperaron los 20 segundos originales y se animó el corto en base a otros cuadros y bocetos del pintor; esta vez combinando la animación 3D con la 2D y logrando un cortometraje sorprendente, lleno de movimiento, ritmo y belleza en una historia de amor entre el dios Cronos y una bailarina. El corto fue finalmente lanzado en 2003 en conjunto con la versión en video de Fantasía 2000 y le valió la nominación al Oscar a mejor corto animado. 

A riesgo de decir obviedades en cuanto a lo audiovisual, prefiero solo comentar que Dalí fue el exponente más potente del surrealismo, esa vanguardia de la que muchos afirman que en realidad fue más bien un romanticismo extremo y cuyos miembros fueron obligados en un momento a adherir al comunismo. Su nombre suena extraño al unirlo al de Walt Disney, pero cabe recordar que Salvador Dalí ya había sido expulsado del movimiento y André Bretón le achacó el anagrama "Avida Dollars". "Destino" es una muestra tanto del comportamiento de muchos artistas después de la segunda guerra mundial como de la audacia del industria cultural norteamericana para renovarse a sí misma.

Preludio, Horizontes.

Seguimos subiendo música, esta vez la introducción de uno de nuestros cortometrajes, Horizontes; la historia de una pareja con una tragedia personal en la que un dolor común a ambos termina enfrentándolos por tratar de atravesarlo de maneras opuestas. Los temas musicales atraviesan estos distintos momentos, acompañando con sus cuerdas este cruce de enfoques sobre una misma relación.

Preludio - Horizontes by raulrosciano

El rock del subdesarrollo

Bueno, acabo de ver "El Último Elvis", ópera prima de Armando Bo y candidata a ser enviada a los Oscar, habiendo perdido por pocos votos.

Para empezar, la película resultó menos deprimente de lo que me esperaba. Habiendo visto el trailer imaginé un relato de decadencia personal, cosa que es en parte, pero sin ensañarse con ello. Más bien la historia varía entre esto último y la reconciliación de un hombre con su aspecto paternal, a pesar de no terminar de asumirlo: Lo constante de la película es la persistencia del hombre en creer su propia fantasía sin necesariamente perder la cordura. El personaje interpretado por John McInerny no es del todo empático, por el contrario, la mayor parte de las escenas resulta opaco e impredecible, errático. No podemos entender sus acciones del todo y tampoco importa mucho, el relato busca mostrar su humanidad a partir de su pasión por la música y los intentos que tiene por acercarse a su hija.

Algo que me gustó mucho fue la decisión de mostrar esa globalización venida a menos que rodea el personaje: Su auto viejo, las autopistas, los aeropuertos, la decadente pista de patinaje sobre hielo a la que lleva a su hija, el sandwich de mantequilla de maní que a nadie le gusta. Como una forma de demostrar hasta donde llega la influencia norteamericana, como una forma de demostrar la angustia de no ser de Carlos Gutiérrez, quien desprecia hasta su propio nombre y prefiere vivir la fantasía.

La película es apreciable, probablemente alguien que disfruta y conoce la música de Elvis Presley la aprecie aún más. El desenlace de todas formas resulta un tanto arbitrario, como si no hubiese habido otra idea con la que cerrar la película.

La próxima veo de ver Infancia Clandestina, en otra de las críticas atrasadas de Manifiesto Cine.

Underwall Nº4

(Nota publicada en el numero cuatro de la revista online Underwall)

Pertenecer tiene sus privilegios. Por cada película de Hitchcock que fue a la gran pantalla, miles de películas de crímenes, policiales o de suspenso se perdían en pequeñas salas. Por cada película con una maquinara de marketing atrás que se proyecta en cine, miles de films se quedan a mitad de camino antes de siquiera comenzar a filmar. Por cada género al que Tarantino homenajea, cientos de miles de homenajeados tuvieron que ser recluidos en la oscuridad.

Necesitamos algún tipo de permiso para hacer las cosas, aunque nos gustaría pensar que no, que somos libres. Por suerte el under es ese permiso, es la selección húmeda de un videoclub que ya no existe, es la página de internet que mezcla películas porno, cine arte y cine “de Hollywood”. Es el auto cine que le dio lugar a miles de producciones con más espíritu que todo el gran marketing del universo conocido.

Manifiesto Producciones nació hace un par de años, más o menos por el 2010. No abundo mucho en quienes somos, les ahorro el castigo y le recomiendo a los que tengan ganas que busquen nuestro blog en la web. Tuvimos un “manifiesto” en un primer momento, pero ahora solamente nos queda el nombre. Ya estaba el logo armado y era mas fácil seguir así. Pero si sirve de algo, me parece que mas que nada nos guía la idea de hacer las cosas de la formas mas artesanal y creativa posible, ese seria nuestro manifiesto. No es que los efectos o los agregados por computadora no nos gusten, o no los usemos, pero por lo general cuando se abusa de ellos la sensación que dejan es algo “fría”. No quiero decir que ese tipo de cosas no me gusta, pero prefiero un estilo más cercano al de las películas que integraban animación tradicional y marionetas. Por lo demás, no hacemos cosas de un solo género en particular, todos tenemos un género que nos gusta más que otro. Justo me toca a mí, Gustavo Ristre, mucho gusto, escribir esta pequeña auto nota de auto bombo, así que puedo decir que lo que más me gusta es el terror y la ciencia ficción; me tomo la libertad de hablar por todos los del grupo cuando digo que una de nuestras reglas principales es tratar de jugar para que todo lo que filmamos deje esa sensación de sorpresa que nos hace volver siempre al cine.

Comenzamos a trabajar en nuestro ultimo cortometraje Todo sucedió con las Plantas Vampiro a principios de Mayo. Cuenta la historia de tres científicas que, después de un accidente de laboratorio, tienen que luchar contra un terrible monstruo: una verdadera planta vampiro. Con suerte podamos estar estrenándolo en internet a fin de año, y con más suerte en alguna pequeña sala cinematográfica antes de eso.

Mariana Paredes, de Ugly Zombie FK, se encargo de realizar el vestuario, construir el monstruo y realizar los efectos especiales con maquillaje. En un corto con un monstruo vampiro no podían faltar las mordidas.

Raul Rosciano realizo la música, y la música es siempre la mitad de una película.

También estamos terminando otro cortometraje, “Horizontes”, de Facundo Avoscan. Y estamos produciendo dos proyectos mas, uno de ellos también de ciencia ficción; estos dos últimos proyectos van a ser animados. Casi siempre hacemos “producciones colectivas” para conseguir el dinero con el que filmar, vendemos libros y armamos alguna que otra fiesta… No se si ya lo dije, pero… ¡pueden buscarnos en la web!

Para ver mas numeros de la revista sigan este link.

Viejas formas, nuevas formas

Con todos sus cambios, el Siglo XX nos tuvo más o menos acostumbrados a dos formas de consumo de cine y música que parecían inmortales: El largometraje y el long-play. Ambos con una duración determinada y susceptibles de ser reproducidos cuantas veces lo permita el material en el que estaban plasmados, la introducción del VHS o el CD no cambió profundamente la estructura de aquellas: Un promedio de 90 minutos para el largometraje y unos 45 para el long-play.

Ahora, el nuevo siglo plantea un desafío en términos de rentabilidad y consumo. Por su parte, la música es muchas veces escuchada en tracks sueltos, a modo de compilado, sin ser parte de una obra unificada en un mismo concepto y forma. Por el otro lado, la rentabilidad ya no está en el álbum, si no en la gira en vivo, por lo que se puede producir una inhibición de la producción de música, o ésta puede ser solo una excusa para salir a revivir viejas canciones y cobrar dinero por ello. Estamos hablando de la producción con mayor facilidad de ser comercializada y ya no de las producciones independientes, conste.

Otro tanto es el de la producción audiovisual, afectada por la "siempre heroica piratería" tanto como la música, solo que sin una forma de conseguir dinero por fuera de su reproducción. En este sentido, cada vez hay menos disponibilidad por parte del espectador para pagar por ver cualquier película (y juzgando por el precio de las entradas hoy en día, con cierta razón) y la selección está mucho más filtrada que en otros tiempos, dejando criterios prioritarios como los efectos especiales y la belleza visual, mientras otras películas quedan en la lista de "ya la bajo por internet" o "si la veo por Parque Rivadavia la compro".

Es claro que pese a la piratería los grandes tanques van a sobrevivir por la simple fascinación del espectáculo, ¿Pero qué queda para los pelagatos como nosotros? Bueno, sin entrar en planteamientos de políticas de estado (que las podríamos hacer, pero queda para otro artículo), además de ver otros circuitos de financiamiento como festivales y crowdfundings, hay que también ir ajustándose a las necesidades y comportamientos de los espectadores. Pero el siglo recién empieza...

Un tema, dos estilos

Dos versiones del mismo tema musical, una instrumental y la otra electrónica. ¿Cual te gusta mas?

El despertar versión para el cortometraje:

Fue concebida como una micro pieza para piano, donde el motivo principal esta alrededor del juego entre dos notas que poco a poco van mutando mediante la repetición y un mínimo movimiento armónico, sosteniendo el pesar de una Alejandra Pizarnik. Esta micro pieza es la inauguradora de toda una serie de micro piezas concebidas como lo que podríamos llama una suite moderna.

El despertar versión electrónica:

En la búsqueda de un lenguaje diferente y separándose un tanto del cortometraje para lo cual fue concebida, esta re istrumentacion cuenta con un nuevo sonido pero manteniendo el mismo lenguaje. En este caso el color del sintetizador colma todos los recodos sonoros, realzando y acompañando al motivo de dos notas repetidas como así sosteniendo las pequeñas mutaciones armónicas. También cuenta con una introducción que es recordada hacia el final de la pieza de forma retrograda hasta esfumarse en el infinito movimiento sonoro de las dos notas que se repiten sin cesar.

Boss, entre el mal necesario y el conveniente

"Un mal necesario lleva a otro hasta que un día no puedes distinguir entre uno necesario y otro que es simplemente conveniente."

Más que ver la punta del iceberg, ver Boss es como cavar un pozo, se pasa de la superficie hasta una trama que oscurece con cada capítulo. La serie inicia con una premisa: Tom Kane, alcalde de Chicago, padece una enfermedad neurológica entre el parkinson y el alzheimer que tarde o temprano terminará matándolo cerebralmente, no sin antes llevarlo por la locura y la agresividad. En ese sentido, el protagonista de Boss entra dentro de la lista de protagonistas desagradables, o anti-empáticos que han aparecido con mayor frecuencia en la televisión norteamericana desde Dr. House, pasando por Lie to Me, Eric Northman de True Blood, o el protagonista de Breaking Bad en sus últimas apariciones. De hecho, es tan limitado el alcance de la información inicial que tiene el espectador, que incluso los vínculos entre algunos personajes son ocultos hasta el cuarto capítulo; estos se mueven en direcciones cuya finalidad solo podemos suponer hasta que se concreta un objetivo determinado o no.

En cuanto a lo temático, Boss retrata a la plutocracia en la que se ha convertido la democracia norteamericana, una mezcla entre política y negocios más que alevosa (recordemos lo blanqueado que está el asunto del lobby y la financiación de las campañas políticas por parte de empresas en EEUU, a diferencia de por ejemplo Argentina, donde suceda o no, no deja de estar mal visto); sumándole además el historial criminal que caracteriza a la ciudad de Chicago a través de sus tiempos. Si bien no hay muchas referencias en el plano ideológico, Boss retrata a la perfección el tema de la destreza política interna, donde cada sutil palabra, gesto y omisión significan una intencionalidad, ya sea cambiar la agenda mediática como neutralizar tal o cual adversario; algo muy valioso a la hora de hacer un drama político que, por ejemplo, películas como "The Iron Lady" o "The King's Speech" carecieron muy torpemente más una búsqueda algo humano y sentimental. La oscuridad de Boss reside en la naturaleza del mal: Ya no es el mal racional, medido, aquel capaz de ceder y negociar a cambio de mantener un equilibrio, es el mal egoísta, impredecible y por ende infinito que caracteriza durante los ocho capítulos de la primera temporada a Tom Kane a partir de su enfermedad.

En cuanto a la dirección (¿O debería decirse direcciones tratándose de una serie?), Boss mantiene una continuidad de la cámara en mano en movimiento, una "desprolijidad" medida en cuanto al foco y los planos en función de la elocuencia del plano y su montaje interno, y un ritmo que logra sostener la tensión durante las escenas.

Personalmente, es una de esas series de las cuales uno no quiere parar de hablar y recomendarla a sus conocidos, además de sorprenderse al ver a Kelsey Grammer pasar de su interpretación de Fraser durante 20 años en dos series distintas, a una producción totalmente diferente.

Logo... ¡y remera!

El Despertar

Despertar. Murmullo de pájaros. La ventana transmite una luminosidad tensa. Los pájaros continúan. Los siento enjaulados, por lo que me resulta desagradable su canto.

Diarios, Alejandra Pizarnik.

Foto tomada por Daniel Riveiro para "El Despertar" de María Luz Stella.

Carta de Alejandra Pizarnik a Silvina Ocampo

 Comparto con ustedes, una de las imagenes del cortometraje "El Despertar" de Buma (Yanina Gruden) y Silvina (Victoria Bernardez) tomada por Daniel Riveiro y Lucía Ávila. Quiero hacer un agradecimiento especial a Gustavo Trinquero director de La asociación y biblioteca popultar Helena Larroque de Roffo que nos ha prestado el espacio para realizar el rodaje de este proyecto; y  a continuación una carta que Alejandra escribió a Silvina Ocampo. Espero lo difruten!

 

 

B.A 31/7/72 Pero vos,  mi amor, no me desmemories. vos sabes cuanto y sobre
todo sufro. Acaso las dos sepamos que te estoy buscando. Sea como fuere, aquí hay
un bosque musical para dos niñas fieles: S. y A.
Escribime, la muy querida. Necesito de la bella certidumbre de tu estar aqui,
icibas pourtant. Yo traduzco sin ganas, mi asma es impresionante (para festejar
me descubri que a martha le molesta el ruido de mi respiracion enferma). ¿Por
que Silvina adorada, cualquiera mierda respira bien y yo me quedo encerrada y
soy Fedra y Anna Frank? (...)¿Y tu libro? El mio acaba de salir. Formato
precioso. Te lo envio a Posadas 1650, quien, por ser amante de Quintana, se lo
transmitira entre ascogencia y escogencia. (...) Oh Silvette, si estuvieras.
Claro es que te besaria una mano, lloraria, pero sos mi paraiso perdido. Vuelto
a encontrar y perido. Al carajo los greco-romanos. Yo adoro tu cara. Y tus
piernas, y surtout (bis10) tus manos que llevan a la casa de los
recuerdo-sueños, urdida en un mas alla del pasado verdadero.
Silvine, mi vida (en el sentido literal) le escribi a Adolfito, para q nuestra
amistad no se duerma. Me atrevi a rogarle q te bese (poco: 5 o 6 veces) de mi
parte y creo q se dio cuenta de que te amo SIN FONDO. A el lo amo pero es
distinto, vos sabes¿no?. Ademas lo admiro y es tan dulce y aristocratico y
simple. Pero no es vos, mon cher amour. Te dejo: me muero de fiebre y tengo
frio. Quisiera q estuvieras desnuda a mi lado, leyendo tus poemas en vos viva.
Sylvette, mon amour, pronto te escribire. Sylv., yo se lo q es esta carta. Pero
te tengo confianza mistica. Ademas la muerte tan cercana a mi (tan lozana!) me
oprime. (...)Sylvette, no es una calentura, es un re-conocimiento infinito de que
sos maravillosa, genial y adorable. Haceme un lugarcito en vos, no te
molestare. Pero quiero, oh no imaginas como me estremezco al recordar tus
manos, que jamas volvere a tocar si no te complace puesto que ya lo ves que lo
sexual es un "tercero" por añadidura. En fin, no sigo. Les mando los librejos de
poemunculos meos-cosa seria. Te beso como yo se y a la rusa (con variantes
francesas y de Corcega)
                      O no te beso sino que te saludo, segun tus gustos, como    
                      quieras. Me someto. Siempre dije no para un dia decir    
                  mejor si (...)
                      Silvina, curame, no hagas q tenga q morir ya

                      Alejandra (1936-1972)

 

Dos Novelas

Estos últimos días estuvimos subiendo imágenes de nuestro nuevo proyecto, pero sin dar muchos datos sobre el. “Dos novelas” nació como la posibilidad de hacer un largometraje en tres partes. Como cada una de las partes es auto concluyente, cada una de ellas puede levantarse por si sola como un cortometraje.

En esta primera parte, un escritor adulto, convencido de que su destino forma parte de una apuesta entre dioses sobre su capacidad creativa, recibe un escritor joven en su casa y le propone entregarle la novela que escribió como premio a una apuesta en un juego de ruleta rusa.

Desde ahí, la historia se ordena como si de un policial fantástico se tratara; en base a los misterios construidos una historia de amor y muerte se desata.

Dos Novelas: Film Noir

En los primeros días de Diciembre, tuvimos una jornada de rodaje en el que sacamos fotografías, hicimos afiches y filmamos fragmentos para realizar dos trailers. Estuvieron presentes los actores que protagonizaran a nuestros personajes: Rubén Humberto Vladimivsky, Diana Cortajerena (Foto), Juan Eduardo Leis y Federico Manzo.

Nos encontramos en la búsqueda de la estética adecuada para esta historia, dentro del cine negro aportándole un conocido efecto de laboratorio conocido como “salto de bleach”. El mismo se caracteriza por efecto gastado con negros profundos que logran un contraste particular.

Este proceso se hizo famoso en la última década con la película “Seven” de David Fincher. Otro caso famoso es el de "Rescatando al soldado Ryan" (imagen). En nuestro caso particular queremos tomar como referencia para la estética (y resalto, para la estética solamente) tanto de la iluminación como del arte a “La señal” de Ricardo Darin la cual esta ambientada en el mismo periodo que nuestro film.

Acá les dejamos dos opciones de la misma imagen con la iluminación real de la escena y con la prueba del efecto buscado.

¡Gracias a Mariana Paredes por apoyarnos y ayudarnos con el Arte, a Irina Ponzi por tomar las fotografias, a Gustavo Ristre por la edición de las mismas y a Martín Soto que dirige y con quien llevamos a delante este proyecto!

Hasta la proxima entrada!

María Luz Stella (Directora de Foto, Jefa de Producción)

Reiniciar - El Despertar

Luego de un lapso en el que no pude conectarme con el material crudo de mi cortometraje, ha llegado el momento de comenzar a seleccionar las tomas buenas para realizar el montaje. ¡Por fin, estoy muy contenta! ¡A editar!

María Luz Stella

Pienso en ti, Pizarnik

En el sonido de tu pluma y en ti